We need to ask the questions and give the answers: creative people are the best people to give the answers, we can imagine untold layers of history, we are able to do it, we can summon it up, and we can tell these trues.

Lubaine Himid (Zanzibar, 1954), pintora

3Ao longo da exposição (apoiada por excelentes textos de sala e legendas desenvolvidas) a positividade dos curadores e dos artistas estimulam atitude idêntica nos visitantes, perante a evidência do “poder da arte” em dar a ver as contradições de sucessivas épocas históricas em que os potentados políticos, económicos e sociais exibem constantes brechas plenas de contradições.

4A entrada de negros na pintura e na escultura inglesa desde meados do século XVIII é maravilhosamente apresentada: muitas vezes criados, ainda que de qualidade superior, alguns começam a ser retratados pela importância cultural das suas obras. Um dos casos mais interessantes será o retrato de Ignatius Sancho (c. 1729-1780), escritor e compositor pintado por Thomas Gainsborough, destacado retratista inglês do século XVIII (fig. 1).

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5Mas estes retratos, que se inscrevem na ascensão social de uma reduzida elite, dialogam com a história do pintor S. M. (talvez Scipio Moorhead) que só é conhecido por ser citado no livro de poesia de Phillis Wheatley, o primeiro publicado por uma afro-americana que ainda era escrava quando o escreveu, em 1773. Na ausência de obra atribuída ao pintor S. M., o artista contemporâneo Kerry James Marschall (n. 1955) pintou-o, inventando-o, em pose frontal, perante o cavalete.

6As extraordinárias histórias que nos vão sendo apresentadas possuem uma poderosa articulação com três temas entrecruzados: a progressiva conquista dos direitos de cidadania e afirmação artística de afrodescendentes até ao esplendor da diversidade e qualidade de obras contemporâneas que arrasam, com criatividade e determinação, visões estereotipadas que ainda não desapareceram; a história da Royal Academy of Arts, fundada em 1778 e que, apesar da resistência de muitos, foi sendo capaz, desde o século XVIII, de acolher um mundo cada vez mais plural e desejavelmente anti-europocêntrico; a clara afirmação que a exploração capitalista de milhares de escravos, transportados através de um “oceano de sangue”, como o Atlântico tem vindo a ser designado, foi também o início da destruição dos recursos naturais, especialmente dos marítimos. Na verdade, este é o aspecto mais surpreendente da exposição, desenvolvido na secção intitulada «Crossing Waters», mas introduzido numa das primeiras secções, quase sem darmos por ele, com a pintura de história do norte-americano John Singleton Copley (1738-1815), Watson and the Shark, de 1778, que regista o ataque de um tubarão a um jovem caído ao mar do navio em que viajava com um grupo de homens, próximo de Havana (fig. 2).

© National Gallery of Art

8A mensagem é complexa e claríssima: a civilização ocidental, que instituiu durante três séculos o tráfego negreiro e sobre ele construiu a prosperidade capitalista, é a mesma que hoje ameaça tudo à volta e, simbolicamente, os reis dos mares profundos, os tubarões, são a metáfora de significados múltiplos e contraditórios da nossa história e do nosso futuro. Ou, dando voz à co-curadora Rose Thompson: «Within art, the ocean remains a central motif for critical discourse around migration, extraction economies and environmental issues, and a metaphorical expanse pertinent to collective memory» (idem, p. 165). A par de obras carregadas de narrativas traumáticas, havia, à entrada da respectiva secção, destaque para duas belíssimas pinturas de William Turner (1775-1851), nomeadamente Whalers, de 1845, abrindo a dimensão sublime da natureza onde a história humana é reduzida à sua gigantesca pequenez.

My name is Akin

They call me Jack

I used to measure mountains

Now I measure the estate

But I have the sky

*

My name is Azisa

They call me Sally

I loved to work the clay

Now I sweep the yard

But I love the mud.

10A exposição Entangled Pasts dá fala ao passado, através de obras académicas e românticas dos séculos XVIII e XIX, mas é o futuro que promove através de obras imaginosas e fraternas de dezenas de artistas contemporâneos, num poderoso movimento que contraria os jogos perversos das cenas artísticas e dos mercados de arte. Como afirmam duas das curadoras da exposição, Dorothy Price e Sarah Lea: «One of the most powerful ways in which we might activate a decolonial mode of looking and thinking is by bringing historical and contemporary artworks together in a new visual conversation that illuminates both» (idem, p. 16).

11A circulação fazia-se entre pintura, escultura, fotografia, documentação vária, instalações, vídeos. Os públicos, com um número inusitado de afrodescendentes, nomeadamente americanos, apropriavam-se de cada uma das peças que, de formas diversas, proclamam a vitalidade de comunidades díspares oriundas da grande infâmia que foram o tráfego negreiros e a escravatura como base de desenvolvimento económico. Mas também eram motivados a tomarem posição contra os riscos reais da infâmia da destruição da natureza de que somos cúmplices, como alguns artistas ingleses do século XVIII foram da escravatura.

12Termino, regressando a uma das linhas da exposição que antes enunciei: o confronto com a História é também um esplendoroso confronto de uma instituição com três séculos e meio consigo própria. Alguns dos artistas contemporâneos presentes não conseguiram antes ingressar na Royal Academy, aspecto que a instituição assume e se dispõe a corrigir. Com uma autonomia e meios de actuação sem os quais os museus e instituições afins não podem trabalhar. Infelizmente é o que continua a acontecer na maioria dos museus portugueses.